"El arte nos abre los ojos al mundo espiritual"

"Velo del Templo" de Marion Donehower

**Entrevista con la artista Marion Donehower de Stil Revista**

Queridos amigos,

Marion Donehower es miembro del grupo de liderazgo de la Sección Norteamericana de Artes Literarias y Humanidades de la Escuela Superior de Ciencias Espirituales y ayudó a planificar nuestras Conferencias de la Sección Norteamericana en 2024 y 2025. También es miembro de la Sección de Artes Visuales.

Su entrevista apareció en el número de verano de 2025 de Stil Magazine, un número con el título "Arte y curación". Stil es una publicación en lengua alemana, pero aquí se incluye la traducción al inglés de la entrevista a Marion, junto con fotos del artículo en alemán y un enlace al artículo en alemán PDF. Pulse aquí para obtener información sobre Stil Revista.

Marion facilita a nuestra Sección Norteamericana Grupo Fairytaley también es artista. Puede ver una muestra de su trabajo con la poesía de Rilke aquí; o haz clic aquí si quieres disfrutar de Marion leyendo el cuento de Novalis Atlantis con las artistas de la Sección Margit Ilgen y Patricia Dicksono haga clic aquí para disfrutar de su interpretación del cuento de hadas del arte de Hermann Hesse Metamorfosis de Piktor en inglés o alemán.

"EL ARTE NOS ABRE LOS OJOS AL MUNDO ESPIRITUAL"
UNA CONVERSACIÓN CON MARION DONEHOWER

**ENTREVISTA ORIGINAL EN ALEMÁN EN STIL REVISTA; VERANO, 2025**

Haga clic aquí para ver un PDF en alemán de la entrevista y las ilustraciones de Marion

Nació y creció en Alemania, se fue a Estados Unidos después de la escuela, luego a Japón y ahora vive de nuevo en Estados Unidos.. ¿Qué papel desempeñan estos tres países en la historia de su vida?

Nací en Alemania. Sin embargo, siempre me ha interesado Japón porque crecí siendo budista. Mi padre visitaba a menudo el primer centro budista alemán de Hamburgo, la "Haus der Stille" (Casa del Silencio), y yo le acompañaba. Así que, ya de niño, asistía a menudo a conferencias sobre el Dharma y aprendía sobre el camino budista hacia la paz interior. Mi madre se llamaba a sí misma "taoísta goetheana". Iba mucho de excursión conmigo y me enseñaba la naturaleza, pero nunca se sabía los nombres de las plantas. También le encantaba tocar el violín y le entristecía que yo no quisiera tocar un instrumento. En casa de mis padres siempre había discusiones. Las cuestiones existenciales estaban a la orden del día, y mi padre también era seguidor de Schopenhauer y Nietzsche y le entusiasmaba el arte. Estas conversaciones me fascinaban y aprendí muy pronto que los libros guardaban grandes secretos. Pero, por supuesto, yo era un niño, y un niño al que le encantaba el movimiento, al que le encantaba la gimnasia y montar a caballo.

En los años sesenta, cuando era una joven trabajadora social, buscaba una vida con sentido. Había oído hablar del Tai Chi, un arte de movimiento chino, y había conocido el Aikido, un arte de movimiento espiritual japonés más reciente. La meditación sentada no me atraía, pero la meditación en movimiento me conmovió de inmediato. Estaba claro: esto era lo que buscaba, ésta era mi vida. Al cabo de un año, cuando había ahorrado suficiente dinero, me fui a Honolulu, Hawai, donde practiqué Tai Chi todos los días en un templo budista. De regreso a Hamburgo, me detuve en Boston, que era entonces el centro mundial de la macrobiótica y me interesaba mucho la macrobiótica japonesa que enseñaban Georges Osawa y otros maestros japoneses. T.T. Liang, un importante maestro de Tai Chi, vivía en Boston. Me convertí en su alumna y luego enseñé allí. Aquí conocí a mi marido, Bruce Donehower, que fue alumno mío. Consiguió un trabajo como profesor en una escuela de idiomas en Japón. Así que de repente me encontré en medio de Japón, en Hamamatsu. En las estanterías del apartamento donde vivíamos, sólo encontraba libros en japonés. Los únicos libros en inglés disponibles eran los de Rudolf Steiner. Empecé a leer y no pude parar. Me sentía muy extranjero en Japón, aislado, y los textos de Rudolf Steiner me hicieron ver con mayor claridad que soy europeo. Y, sin embargo, surgió una conexión con Japón que perdura hasta hoy. Se puede ver en mis cuadros.

Al cabo de un año, regresamos a Estados Unidos y nos trasladamos a Fair Oaks, en California. Eso fue en 1982. Fair Oaks tenía un colegio para la formación de maestros Waldorf, una escuela Waldorf, una clínica médica antroposófica y tiendas. Era (y sigue siendo) un auténtico pueblo antroposófico.

¿Cuándo entró la pintura en tu vida? ¿Son los caminos hasta allí tan sinuosos como los caminos hasta su lugar de residencia?

En Hamburgo vivía con artistas y estaba casada con un alumno de Joseph Beuys. Nunca había pensado en pintar yo misma. Conocía las galerías más importantes de Europa y había profundizado mis conocimientos de arte, pero sólo descubrí la pintura en el Rudolf Steiner College de Fair Oaks. Ted Mahle, alumno de Beppe Assenza, despertó mi alegría por la pintura.

Más tarde, hice un seminario de cuatro años con un conocido pintor de capas, lo que no fue fácil para mí. Me gustaban las acuarelas, pero de repente tuve que domarlas y volverme pedante. Esta técnica me parecía inmóvil y rígida, ¡me sentía insegura!

Sin embargo, mi maestro más importante a la hora de unir los hilos del aikido y la pintura fue la cirugía cerebral. Durante un entrenamiento de aikido, un joven al que estaba enseñando me tiró tan fuerte al suelo que sufrí una conmoción cerebral. Un médico me diagnosticó entonces un neuroma acústico, un tumor benigno en el nervio auditivo. Después de que me lo extirparan, perdí el equilibrio y sólo podía oír por un oído. Tuve que aprender a andar de nuevo y ya no podía utilizar el brazo derecho, ni escribir ni pintar. Tuve que empezar de cero, como un niño pequeño.

Entonces empecé a pintar con la mano izquierda, aprendí a andar de nuevo y, con mucho cuidado, empecé a practicar aikido con la ayuda de mi marido. Fue a través de estas limitaciones físicas como descubrí mi arte.

Le gusta experimentar en sus cuadros. ¿Cómo funciona el proceso pictórico?

Tengo una caja grande con mucho papel. Contiene papel japonés, papel hecho a mano, papel de envolver, pero también banderas tibetanas, finas telas indias... cualquier cosa que se pueda pegar a un lienzo. A menudo empiezo haciendo un collage sobre el lienzo con el papel, por ejemplo con tres trozos de papel, rasgados o cortados, que luego se pegan estrechamente para que se superpongan parcialmente. Pinto sobre parte del papel, parcial o totalmente. Otras zonas sólo están coloreadas, o utilizo sólo uno o dos colores. Luego añado otra capa de papel. Poco a poco, la imagen emerge de las capas de papel y pintura. A veces añado tela india o una bandera tibetana, que puedo volver a quitar para crear patrones de color. Esto significa que un cuadro siempre resulta una sorpresa, lo que me encanta. Mis cuadros más pequeños, que no pinto sobre lienzo, suelen representar paisajes de diseño mucho más sencillo y en los que a menudo inserto caracteres japoneses. Son gráficamente muy bellos y transmiten un estado de ánimo espiritual.

También he trabajado con monocopias o "monotipos". Un profesor de arte de Berkeley tiene una imprenta enorme. El peso de la prensa y el uso de pinturas al óleo hacen que las imágenes sean increíblemente vívidas. La primera impresión se llama monotipo, y la segunda es de colores muy tenues, pero a veces aún más bella. Por supuesto, no puedo resistirme a retocarlas después de que se sequen.

Recientemente he empezado a experimentar con la acuarela. Hay algo suave en la fluidez de los colores, y el formato más pequeño que utilizo parece adaptarse mejor a mí ahora.

¿También ha exploró el impulso artístico de Rudolf Steiner?

Personalmente, eso me interesa menos. Eso también se debe un poco a mi carácter. Soy un poco cabezota. Si alguien me dice: "¡No puedes pintar acrílico sobre óleo, no funcionará y queda horrible!", mi reacción automática es: "¡Funcionará, vamos a ver!". Y claro que funciona. Tengo que probarlo todo por mí mismo, de manera " ", antes de poder aceptar las cosas. Naturalmente, me familiaricé con el impulso artístico de Rudolf Steiner a través de mis maestros, los seguí hasta donde fue necesario, pero luego me liberé de él. Sólo empecé a interesarme por Rudolf Steiner y sus afirmaciones sobre el arte, sus planteamientos sobre la pintura, una vez que encontré mi propio camino.

¿Hay algún acontecimiento o situación en particular que desencadene su proceso pictórico?

Creo que tiene que haber un ambiente alegre. Todo el espacio etéreo que me rodea tiene que estar bien. Hace unos años me compré tres flautas nativas americanas. Son maravillosas para ponerme en un estado de calma y relajación. Cada nota penetra en el cuerpo; toco todos los días. En este estado de ánimo, es fácil concentrarme en mi trabajo. Mi equilibrio interior se restablece.

¿Es todo siempre armonioso, o también hay crisis?

Por supuesto que hay crisis. Con las fotos más grandes, ¡siempre tengo una crisis total! Después de muchas horas de trabajo, de repente me doy cuenta de que nada funciona. Pero hay un rinconcito que me parece absolutamente perfecto. ¡Tengo que guardar ese rincón! Entonces intento cambiar la foto para integrar ese rincón. No me doy cuenta de que me estoy desesperando. Pero no me rindo fácilmente. A veces tardo mucho tiempo en rendirme. Entonces es un gran alivio, como en la vida. Es ese momento en el que puedes respirar de nuevo y dejarte llevar. Hay que dar un paseo. Fue agotador.

Me gustaría volver a la conexión entre el aikido, la antroposofía y el arte. Para usted, ¿cuáles son las líneas de conexión o las intersecciones?

La intersección es el lemnisco. El lemnisco es fundamental para el aikido, el tai chi y el arte. Podemos descubrir el movimiento del lemnisco una y otra vez. Ya sea en la música, en el lenguaje o incluso en la pintura. Especialmente cuando trabajo con acuarelas, puedo reconocer y sentir fácilmente los movimientos del lemnisco cuando los colores se expresan.

Cuando estudié antroposofía, reconocí la universalidad que reside en el lemnisco como imagen de puente e inversión. En una gran variedad de contextos, Rudolf Steiner desarrolla la transición de un mundo a otro, de la vigilia al sueño, del sueño a la vigilia, de la vida a la muerte y de vuelta a la vida, en la que lo decisivo no es sólo lo transitorio, sino sobre todo el paso por el punto cero, la nada. Es un proceso de inversión el que tiene lugar. Y esto es exactamente lo que ocurre en el arte.

En antroposofía se habla de creación a partir de la nada. Este concepto también existe en el budismo, aunque se habla de "vacío" en lugar de "nada". Pero al igual que la nada no es nada, el vacío no es un vacío, sino un campo fértil de infinitas posibilidades creativas esperando a nacer. En inglés, hablamos de "endless conditional arising". En un sentido terapéutico, también podría hablarse de la "noche oscura del alma". Cuando despertamos de esta noche y atravesamos la puerta, tenemos la oportunidad de descubrir un camino hacia nuevas experiencias y pensamientos.

En pintura, experimenté la transición durante una crisis, y tras esta crisis, se abrió un nuevo comienzo. En el aikido, el punto cero se encuentra en el proceso de respiración. Los movimientos del cuerpo y la respiración flotan entre una armonía relajada y tensa; es un largo camino de práctica el que hay que seguir para alcanzar este estado.

¿En qué proyecto está trabajando actualmente o le gustaría trabajar en el futuro?

Hoy es la primera mañana de 2025: ¡un buen día para pensar en cuáles son mis planes!

Por ahora, trabajaré con acuarelas y aprenderé a dominar mi papel japonés. Luego pienso crear una gran serie de cuadros muy pequeños, de apenas 15 x 15 cm. Los pegaré en papel japonés y pintaré sobre ellos con acuarelas. Luego tengo en mente un proyecto de colaboración más grande, en el que trabajaré junto con otras personas. Queremos pegar los trozos de papel y otros supuestos desechos en un lienzo muy grande en mi estudio, pintar sobre ellos y crear un collage colectivo.