"Poco latín y menos griego" de Clifford Venho

Clifford Venho trabaja como editor en SteinerBooks.

En el pasado, Clifford asistió a las reuniones de nuestra Sección como invitado especial. Habló de Himnos a la noche de NovalisEl poeta Christian Morgensterny los recientes trabajos sobre Obras completas de Rudolf Steiner. En este ensayo, Clifford llama nuestra atención sobre la continuidad de los dramas de misterio de la Antigüedad en las obras de Shakespeare, un tema que Friedrich Hiebel ha explorado. Este ensayo se publica en preparación del año 2023, en el que celebraremos el centenario de la Conferencia de la Fundación de Navidad y el 400 aniversario de la publicación del Primer Folio, 1623un tema debatido en la reunión de la Sección del 13 de junio de 2022.

Ha surgido una leyenda sobre Shakespeare y se han escrito bibliotecas enteras sobre cada una de sus obras. Los académicos han dado muchas interpretaciones de sus obras, y finalmente una serie de escritores han decidido que un actor inculto no podría haber producido todos los pensamientos que descubrieron en las obras de Shakespeare, y se hicieron adictos a la hipótesis de que no William Shakespeare, el actor del Globe Theatre, podría haber escrito las obras que llevan su nombre, sino algún otro hombre muy culto, por ejemplo Lord Francis Bacon de Verulam, que en vista de la baja estimación de la actividad literaria en ese momento, tomó prestado el nombre del actor. Estas suposiciones se basan en el hecho de que nunca se han encontrado manuscritos escritos por la mano de Shakespeare; también se basan en un cuaderno descubierto en una biblioteca londinense con pasajes sueltos que supuestamente se corresponden con ciertos pasajes de las obras de Shakespeare. Pero las propias obras de Shakespeare atestiguan que él es su autor. Sus obras revelan que fueron escritas por un hombre que tenía un profundo conocimiento del teatro y de los efectos teatrales.

— Rudolf Steiner, GA 51, 6 de mayo de 1902

Ben Jonson dijo célebremente que Shakespeare tenía "poco latín y menos griego". Esto suele interpretarse como que Shakespeare no era culto y carecía de conocimientos de las dos lenguas fundamentales de la cultura occidental, a diferencia del propio Jonson, que era un consumado clasicista. Más recientemente, algunos estudiosos, como Colin Burrow, han señalado la importancia de la palabra "aunque" en la frase de Jonson: "Aunque tuvieras poco latín y menos griego". En su libro Shakespeare y la Antigüedad clásicaBurrow sugiere que, en realidad, Jonson podría estar diciendo: aunque supieras poco latín y menos griego (lo cual es falso), los grandes dramaturgos clásicos seguirían alabándote. Pero, independientemente de lo que Jonson quisiera decir, lo cierto es que los antiguos desempeñaron un papel importante en la obra de Shakespeare.

En Cuento de inviernopor ejemplo, a pesar de que el argumento está en parte sacado de Pandosto de Robert Greene, podemos discernir el mito de Deméter y Perséfone encarnado en las figuras de Hermione y Perdita. En Periclesnos encontramos con el Templo de Éfeso y asistimos a la aparición de la diosa Artemisa (Diana). En el reino de las hadas de Sueño de una noche de veranosentimos la presencia de un mundo en el que el destino de los seres humanos está entrelazado con el de los dioses (como se retrata, por ejemplo, en la obra de Ovidio Metamorfosis). Y la lista continúa. En resumen, Shakespeare adopta y moldea en sus obras muchos elementos pertenecientes a la antigüedad clásica. Lo notable, sin embargo, es que aparecen de un modo extraordinariamente natural y auténtico. Podemos sentir la suave brisa de la antigua Grecia, como el aliento del mismísimo Céfiro, soplando a través de toda su obra como una inspiración, encendiendo la vida y la imaginación allí donde sopla.

Independientemente de cómo interpretemos las palabras de Jonson, una cosa es cierta: a diferencia de él, Shakespeare no era un erudito académico ni un clasicista preocupado por la exactitud filológica de su obra. No se enclaustró en su torre de marfil, contemplando el mundo desde las alturas. De hecho, antes de escribir nada, Shakespeare era actor, y como tal habría experimentado el contacto directo con la vida espiritual y emocional interior del público. Habría sentido cómo el actor vive y respira en una tensión dinámica con el público, habría sentido cuándo el público estaba con él y cuándo disminuía su atención, incluso podría haber sentido a veces el dolor físico infligido por los "groundlings", que se cree que arrojaban cosas a los actores cuando no estaban contentos con una actuación.

Cuando Shakespeare se dedicó a escribir obras de teatro, lo hizo desde la perspectiva de un intérprete y artista, no de un erudito. Le preocupaba cómo conmover a su público, cómo emocionarle, cómo hacerle reír y llorar. Lo que Aristóteles describe como "catarsis" a través del miedo y la piedad le resultaba familiar a Shakespeare por una necesidad artística práctica; y, con su aguda percepción de lo que nos conmueve fundamentalmente como seres humanos y su habilidad para elaborar palabras y acciones que hicieran precisamente eso, Shakespeare conmovía -y sigue conmoviendo- los corazones y las mentes de su público.

Encontramos un ejemplo notable en Cuento de invierno de cómo Shakespeare trabajó con material del mundo clásico. Como ya se ha mencionado, podemos ver al personaje de Hermione, reina de Sicilia, como una figura de Deméter y al personaje de Perdita como su hija Perséfone. En el mito griego, Perséfone es robada al Inframundo por Hades. Deméter, sumida en la desesperación, busca a su hija por todas partes, pero sin éxito. Esto hace que la muerte se extienda por toda la tierra y que llegue el invierno de la esterilidad. Por fin, Zeus ordena a Hades que libere a Perséfone del Inframundo, pero Hades la engaña alimentándola con granos de granada que, al comerlos, la obligan a regresar durante parte del año al Inframundo. Sin embargo, Deméter se alegra del regreso de su hija y bendice la tierra con el don de las cosechas y la prosperidad agrícola. Este retorno de la vida, esta resurrección, se escenifica al final de Cuento de inviernoHermione, dada por muerta durante muchos años, resucita de la piedra. Su despertar se debe al regreso de su hija Perdita (que significa "perdida") desde las lejanas costas de Bohemia. La relación de Perdita con la figura de Perséfone se establece claramente en una escena anterior de la obra, cuando dice:

O Proserpina,
Por las flores que ahora, asustado, dejas caer
¡Del carro de Dis! Narcisos,
Que llegan antes de que la golondrina se atreva, y toman
Los vientos de marzo con belleza; violetas, tenues,
Pero más dulce que los párpados de los ojos de Juno
O el aliento de Citerea; pálidas prímulas,
Que mueren solteros antes de poder contemplar
Febo brillante en su fuerza-una enfermedad
La mayoría de los incidentes a las doncellas; oxlips audaces, y
La corona imperial; lirios de todo tipo,
La flor de luce siendo una. Oh, esto me falta,
Para hacerte guirnaldas de, y mi dulce amigo,
¡Para esparcirlo por todas partes!

El cuento de invierno (IV, iv)

En esta escena, aparece como representante de Perséfone (Proserpina). Y si nos volvemos hacia su madre, encontramos que lleva en su nombre, Hermione, un homenaje a la diosa Deméter. Como escribe Stevie Davies en su libro Lo femenino recuperadoAhora hemos olvidado que el nombre de 'Hermione' se asociaba inmemorialmente con Deméter, pero ese conocimiento era fácilmente accesible en el Renacimiento como información de diccionario de grapas". En el léxico de Hesychius, el nombre Hermione está conectado en Siracusa con el mito de Deméter y Perséfone. Y como este conocimiento era "fácilmente accesible" en la época de Shakespeare, la resonancia del nombre con el mito habría sido sentida al menos por algunos de los espectadores. La conexión entre el mito y la obra se ve reforzada por el hecho de que Sicilia se considera la isla sagrada de Deméter y Perséfone. Como señala Margaret Bennell en El florecimiento del espíritu de ShakespeareShakespeare cambia el lugar de nacimiento de sus heroínas de Bohemia, como aparece en el Pandosto de Greene, a Sicilia. También altera significativamente el final de la obra hacia el reencuentro y la redención en lugar de la muerte por suicidio. Estos hechos habrían aumentado la conciencia del público sobre la conexión de la obra con el mito.

La escena final, que marca el regreso de la Perdita perdida y la llegada de una vida renovada, se desarrolla en una atmósfera de asombro y magia. Shakespeare, el actor que conocía de primera mano lo que más conmueve al públicoEn el siglo IV, el filósofo y retórico Themistius escribe una escena cargada de poder místico -místico en su sentido más original de "mustēs", refiriéndose a quien se inicia en los misterios griegos. A este respecto, Margaret Bennell menciona una intrigante oración del filósofo y retórico del siglo IV Themistius en la que escuchamos un relato de los Misterios de Deméter de Eleusis que sirve de telón de fondo a este momento de la obra:

En el momento en que una persona se acercaba al santuario interior, se llenaba de asombro y ansiedad, se sentía angustiada y atenazada por una sensación de impotencia absoluta, incapaz de dar un paso, incapaz de emprender ningún camino que le condujera al interior del santuario. Entonces ese intérprete abriría la puerta del templo, vestiría la estatua del dios y la dejaría hermosa y limpia por todos lados. Mostraría la estatua, ahora toda resplandeciente y brillando con una luz celestial, al iniciado. La niebla y la nube se disiparían por completo sin demora. De las profundidades, el significado emergería lleno de luz y esplendor en lugar de la oscuridad original

(ThemistiusOrat. xx)

Si comparamos esta descripción de Temistio con la escena final de Cuento de inviernoencontramos una notable correspondencia. Los personajes principales de la obra, incluido Leontes, que cree que la acusación injusta contra su esposa causó su muerte dieciséis años atrás, son llevados ante una escultura recién creada de ella. La estatua parece increíblemente real, y Leontes apenas puede creer lo que ven sus ojos. Paulina, que ha defendido ferozmente a Hermione y recuerda constantemente a Leontes su transgresión, le dice que puede hacer que la estatua cobre vida. Leontes la anima y le asegura que todos contemplarán en silencio su magia. Paulina inicia entonces el momento de la resurrección:

¡Música; despiértala; golpea!
[Music]
[Es la hora. Desciende. No seas más piedra. Acércate.
Maravilla a todos los que miran. Venid,
Llenaré tu tumba. Revuélvete. No, vete.
lega a la muerte tu entumecimiento, pues de él
Querida vida te redime.
[Percibes que se agita.
No empieces. Sus acciones serán santas como
Oyes que mi hechizo es lícito.

El cuento de invierno (V, iii.)

Este es un momento de iniciación. Tras haber pasado por las pruebas de la primera parte de la obra, llegamos a esta apoteosis. Se cree que el punto culminante de los Misterios de Eleusis consistía en la representación de este reencuentro de la hija Perséfone con su madre Deméter. En esta escena, al ver a su hija Perdita después de tantos años, Hermione exclama:

Dioses, mirad hacia abajo,
Y de tus sagradas ampollas derrama tus gracias
Sobre la cabeza de mi hija.

El cuento de invierno (V, iii.)

Al final de la iniciación en los Misterios de Eleusis, los iniciados salían a los campos pidiendo el renacimiento: "¡Hye! ¡Que llueva! ¡Que llueva! ¡Kye! ¡Concibe! ¡Da a luz!" Además, el último día del festival en torno a la iniciación se conocía como Plemochoai, o Vertido de la Abundancia, durante el cual los iniciados vertían libaciones de unos recipientes especiales, plemochoai. Un último elemento digno de mención es que la música desempeñaba un papel importante en el ritual de iniciación. Por ejemplo, en el momento álgido del ritual, durante la representación del drama sagrado de Deméter y Perséfone, se hacía sonar un gong de latón. Todos estos elementos se entretejen en esta escena final de Cuento de invierno a través de la sutil sensibilidad artística de Shakespeare para el aspecto ritual del drama, y el efecto es provocar una poderosa experiencia de renacimiento en el público. Shakespeare se nutre del manantial del drama en su origen, no como una explotación del intelecto, sino a través de un profundo sentimiento de lo que vive en el corazón de la experiencia humana. Después de todo, el drama occidental surgió de los rituales de los Misterios, que eran una especie de invernadero para todas las artes. Sabemos, por ejemplo, que por un sentimiento artístico igualmente profundo, Esquilo escenificó escenas que reflejaban los rituales sagrados de los Misterios y que fue juzgado por "traicionar" sus secretos. Tuvo que demostrar que no tenía conocimiento alguno de los Misterios en cuestión para ser absuelto de los cargos, lo que le habría acarreado la muerte (Cf. Aristóteles, Ética a Nicómaco III. i.). Asimismo, Shakespeare llega tan profundamente a la esencia del arte dramático que produce una especie de ritual del Misterio.

Los críticos han reflexionado durante mucho tiempo sobre esta escena final, muchos de ellos sin saber explicar en términos lógicos el lapso de dieciséis años y la conservación juvenil de Hermione. Piensan literalmente, no en términos de la representación del drama sagrado, que se basa en lo concreto y se eleva por encima de lo mundano. La estatua de piedra, concreta y visible, cobra vida en un momento de despertar interior. Se trata de un acto de "juego" en su forma más elevada. Como dijo Goethe, "la tarea más elevada de cualquier arte es dar a través de la apariencia la ilusión de una realidad superior". Es precisamente a través de este salto a la representación de una realidad superior, que se desarrolla según las leyes de la imaginación y no según la lógica de la vida cotidiana, como Shakespeare alcanza este momento final de apoteosis. Es un renacimiento que tiene lugar en el alma y el corazón de todos los presentes y que se expresa a través de la representación del drama como ritual. En este momento, Shakespeare se remonta intuitivamente al mundo antiguo en busca de la forma de representar este acontecimiento. El efecto es, para aquellos que pueden seguir la obra en su impulso espiritual, una liberación catártica del dolor y el sufrimiento de la vida. Aunque Shakespeare poseyera "poco latín y menos griego", su obra está enraizada en el espíritu del drama antiguo, y muy especialmente del drama como redención. En ese sentido, podemos estar de acuerdo con Ben Jonson cuando dice que "no fue de una época, sino para todos los tiempos".

Para no atraer la envidia, Shakespeare, sobre tu nombre,
Soy así amplio a tu libro y fama;
Aunque confieso que tus escritos son tales
Como ni el hombre ni la musa pueden alabar demasiado;
Es cierto, y el sufragio de todos los hombres. Pero estas formas
No eran los caminos que yo destinaba a tu alabanza;
Por ignorancia seeliest en estos puede iluminar,
Que, cuando suena en el mejor de los casos, pero se hace eco de la derecha;
O afecto ciego, que nunca avanza
La verdad, pero a tientas, y urge todo por casualidad;
O la astuta malicia podría fingir este elogio,
Y pensar en la ruina, donde parecía elevarse.
Estas son, como alguna infame mujerzuela o puta
Debería alabar a una matrona; ¿qué podría hacerle más daño?
Pero tú eres a prueba de ellos, y de hecho,
Por encima de la mala fortuna de ellos, o de la necesidad.
Por lo tanto, voy a empezar. ¡Alma de la edad!
Los aplausos, el deleite, ¡la maravilla de nuestro escenario!
¡Mi Shakespeare, levántate! No te alojaré
Chaucer, o Spenser, o bid Beaumont lie
Un poco más lejos, para hacerte una habitación:
Eres un monumento sin tumba,
Y sigues vivo mientras viva tu libro
Y tenemos ingenio para leer y alabanzas para dar.
Que no te mezcle así, se excusa mi cerebro,
Quiero decir con grandes, pero desproporcionadas Musas,
Pues si creía que mi juicio era de años,
Debería comprometerte seguramente con tus pares,
Y di hasta qué punto eclipsaste a nuestro Lyly,
O sporting Kyd, o la poderosa línea de Marlowe.
Y aunque tuvieras poco latín y menos griego,
Desde allí, para honrarte, no buscaría
Por los nombres; pero llama al trueno Esquilo,
Eurípides y Sófocles a nosotros;
Pacuvio, Accio, el de Córdoba muerto,
A la vida otra vez, a oír tu paso,
Y agitar un escenario; o, cuando tus calcetines estaban puestos,
Déjate de comparaciones
De toda esa insolente Grecia o altiva Roma
Enviados, o desde que surgieron de sus cenizas.
Tri'umph, mi Bretaña, tienes uno para mostrar
A quien todas las escenas de Europa deben homenaje.
No tenía edad, sino que era para siempre.
Y todas las Musas seguían en la flor de la vida,
Cuando, como Apolo, salió a calentar
¡Nuestros oídos, o como un Mercurio para encantar!
La propia naturaleza estaba orgullosa de sus diseños
Y feliz de llevar el aderezo de sus líneas,
Que estaban tan ricamente hiladas, y tejidas tan a la medida,
Como, ya que, ella no garantiza otro ingenio.
El alegre griego, agrio Aristófanes,
Pulcro Terencio, ingenioso Plauto, ahora no por favor,
Pero mentira anticuada y desierta,
Como no eran de la familia de la Naturaleza.
Sin embargo, no debo dar a la naturaleza todo: tu arte,
Mi gentil Shakespeare, debe disfrutar de una parte.
Pues aunque la materia del poeta sea la naturaleza,
Su arte da la moda; y, que él
Quien echa a escribir una línea viva, debe sudar,
(Como los tuyos) y golpea el segundo calor
Sobre el yunque de las Musas; gira lo mismo
(Y a sí mismo con ella) que piensa enmarcar,
O, por el laurel, puede ganar un desprecio;
Porque un buen poeta se hace, además de nacer;
Y así eras tú. Mira cómo la cara del padre
Vive en su tema, aun así la carrera
De la mente y los modales de Shakespeare brilla intensamente
En sus bien torneadas y verdaderas líneas;
En cada uno de los cuales parece agitar una lanza,
Como blandido a los ojos de la ignorancia.
¡Dulce Cisne de Avon! ¡Qué espectáculo!
Para verte aún aparecer en nuestras aguas,
Y hacer esos vuelos a orillas del Támesis,
¡Eso se llevó a Eliza y a nuestro James!
Pero quédate, te veo en el hemisferio
¡Avanzó e hizo una constelación allí!
Brilla, estrella de los poetas, y con rabia
O influir, reprender o animar a la etapa decaída;
Que, desde tu huida de aquí, ha llorado como la noche,
Y desespera el día, si no es por la luz de tu volumen.

- Ben Jonson, A la memoria de mi amado autor, el Sr. William Shakespeare

Este ensayo apareció originalmente en La crítica de Decadent.  Se reproduce aquí con permiso del autor.