"Petit latin et moins de grec" par Clifford Venho

Clifford Venho travaille comme éditeur chez SteinerBooks.

Clifford a participé aux réunions de notre section dans le passé en tant qu'invité spécial. Il a parlé de Hymnes à la nuit de Novalisle le poète Christian Morgensternet les travaux récents sur Les œuvres complètes de Rudolf Steiner. Dans cet essai, Clifford attire notre attention sur la continuité des drames mystérieux de l'Antiquité dans les pièces de Shakespeare, un sujet que Friedrich Hiebel a exploré. Cet essai est publié en vue de l'année 2023, au cours de laquelle nous célébrerons le 100e anniversaire de la création de l'œuvre de Shakespeare. Conférence de la Fondation de Noël et le 400e anniversaire de la publication du First Folio, 1623un sujet abordé à la réunion de la section le 13 juin 2022.

Une légende s'est créée autour de Shakespeare et des bibliothèques entières ont été écrites sur chacune de ses œuvres. Les universitaires ont donné de nombreuses interprétations de ses pièces, et finalement un certain nombre d'écrivains ont décidé qu'un acteur sans éducation n'aurait pas pu produire toutes les pensées qu'ils ont découvertes dans les œuvres de Shakespeare, et ils se sont attachés à l'hypothèse que ce n'est pas William Shakespeare, l'acteur du Globe Theatre, qui aurait pu écrire les pièces qui portent son nom, mais un autre homme très érudit, par exemple Lord Francis Bacon de Verulam, qui, compte tenu de la faible estime de l'activité littéraire à cette époque, a emprunté le nom de l'acteur. Ces suppositions se fondent sur le fait qu'aucun manuscrit écrit de la main de Shakespeare n'a jamais été retrouvé ; elles se fondent également sur un cahier découvert dans une bibliothèque londonienne et contenant des passages isolés censés correspondre à certains passages des pièces de Shakespeare. Mais les propres œuvres de Shakespeare attestent qu'il en est l'auteur. Ses pièces révèlent qu'elles ont été écrites par un homme qui avait une connaissance approfondie du théâtre et la compréhension la plus profonde des effets théâtraux.

— Rudolf Steiner, GA 51, 6 mai 1902

Ben Jonson a dit que Shakespeare avait "un peu de latin et moins de grec". On en déduit généralement que Shakespeare n'était pas instruit et ne connaissait pas les deux langues fondamentales de la culture occidentale, contrairement à Jonson lui-même, qui était un classiciste accompli. Plus récemment, certains chercheurs, comme Colin Burrow, ont souligné l'importance du mot "though" dans la phrase de Jonson, "Though thou hadst small Latin and less Greek". Dans son livre Shakespeare et l'Antiquité classiqueSelon Burrow, Jonson pourrait en fait vouloir dire que même si vous ne connaissiez que peu de latin et moins de grec (ce qui est faux), les grands dramaturges classiques vous feraient quand même des éloges. Mais quel que soit le sens que Jonson voulait donner à cette phrase, les anciens ont bel et bien joué un rôle dans l'œuvre de Shakespeare.

Sur Le conte d'hiverpar exemple, malgré le fait que l'intrigue soit en partie reprise de Pandosto de Robert Greene, nous pouvons discerner le mythe de Déméter et Perséphone incarné dans les figures d'Hermione et de Perdita. Sur PériclèsNous rencontrons le temple d'Éphèse et assistons à l'apparition de la déesse Artémis (Diane). Dans le royaume des fées de Le Songe d'une nuit d'éténous ressentons la présence d'un monde dans lequel le destin des êtres humains est lié à celui des dieux (comme dans l'œuvre d'Ovide, par exemple). Métamorphoses). Et la liste est encore longue. En bref, Shakespeare adopte et moule dans ses pièces de nombreux éléments appartenant à l'antiquité classique. Ce qui est remarquable, cependant, c'est qu'ils apparaissent d'une manière extraordinairement naturelle et authentique. Nous pouvons sentir la brise légère de la Grèce antique, comme le souffle de Zéphyrus lui-même, souffler sur l'ensemble de son œuvre comme une inspiration, allumant la vie et l'imagination partout où elle souffle.

Quelle que soit la manière dont nous interprétons les propos de Jonson, une chose est sûre : contrairement à lui, Shakespeare n'était pas un universitaire ou un classiciste soucieux de l'exactitude philologique de son œuvre. Il ne s'est pas cloîtré dans sa tour d'ivoire, regardant le monde du haut de ses hauteurs. En fait, avant d'écrire quoi que ce soit, Shakespeare était un acteur et, en tant que tel, il aurait eu un contact direct avec la vie spirituelle et émotionnelle intérieure du public. Il aurait senti comment l'acteur vit et respire dans une tension dynamique avec le public, il aurait senti quand le public était avec lui et quand son attention diminuait - il aurait peut-être même parfois ressenti la douleur physique infligée par les "groundlings", dont on pense qu'ils jetaient des objets sur les acteurs lorsqu'ils n'étaient pas satisfaits d'une représentation.

Lorsque Shakespeare s'est finalement essayé à l'écriture dramatique, il l'a fait du point de vue d'un interprète et d'un artiste, et non d'un érudit. Il se préoccupait de savoir comment émouvoir son public, comment le toucher, comment le faire rire et pleurer. Ce qu'Aristote décrit comme la "catharsis" par la peur et la pitié était familier à Shakespeare par nécessité artistique pratique ; et, grâce à sa perception aiguë de ce qui nous émeut fondamentalement en tant qu'êtres humains et à son talent pour élaborer des mots et des actions qui ont cet effet, Shakespeare a remué - et remue encore - les cœurs et les esprits de son public.

Nous en trouvons un exemple remarquable dans Le conte d'hiver de la façon dont Shakespeare a travaillé avec le matériel du monde classique. Comme nous l'avons mentionné, nous pouvons considérer le personnage d'Hermione, reine de Sicile, comme une figure de Déméter et le personnage de Perdita comme sa fille Perséphone. Dans le mythe grec, Perséphone est emmenée aux Enfers par Hadès. Déméter, accablée par le désespoir, cherche sa fille dans tous les sens, mais en vain. La mort se répand alors dans tout le pays et un hiver de stérilité s'installe. Zeus ordonne enfin à Hadès de libérer Perséphone des Enfers, mais Hadès la trompe en lui donnant des graines de grenade qui, lorsqu'elles sont mangées, l'obligent à retourner une partie de l'année aux Enfers. Néanmoins, Déméter se réjouit du retour de sa fille et bénit la terre en lui offrant des récoltes et la prospérité agricole. Ce retour à la vie, cette résurrection, est mis en scène à la fin de l'histoire de l'humanité. Le conte d'hiverL'histoire d'Hermione, présumée morte depuis de nombreuses années, revient à la vie à partir de la pierre. Son réveil est provoqué par le retour de sa fille Perdita (qui signifie "perdue") des lointains rivages de Bohème. Le lien de Perdita avec la figure de Perséphone est clairement établi dans une scène antérieure de la pièce, lorsqu'elle dit :

O Proserpina,
Pour les fleurs maintenant que, effrayé, tu laisses tomber
Du chariot de Dis ! Des jonquilles,
Qui viennent avant que l'hirondelle n'ose, et prennent
Les vents de mars avec la beauté ; violettes, dim,
Mais plus doux que les paupières des yeux de Junon
Ou le souffle de Cythère ; de pâles primevères,
Qui meurent célibataires avant de pouvoir voir
Bright Phoebus dans sa force - une maladie
La plupart des incidents aux jeunes filles ; oxlips gras, et
La couronne impériale ; des lys de toutes sortes,
La fleur de lys en étant une. O, ceux-là me manquent,
Pour te faire des guirlandes, et mon doux ami,
Pour l'éparpiller de-ci de-là !

Le conte d'hiver (IV, iv)

Dans cette scène, elle apparaît comme une représentante de Perséphone (Proserpina).. Et si nous nous tournons vers sa mère, nous constatons qu'elle porte dans son nom, Hermione, un hommage à la déesse Déméter. Comme l'écrit Stevie Davies dans son livre Le Féminin RéclaméNous avons oublié aujourd'hui que le nom d'Hermione était associé à Déméter de façon immémoriale, mais cette connaissance était facilement accessible à la Renaissance sous forme de dictionnaire de base". Dans le lexique d'Hésychius, le nom d'Hermione est lié à Syracuse au mythe de Déméter et Perséphone. Et comme ces connaissances étaient "facilement accessibles" à l'époque de Shakespeare, la résonance du nom avec le mythe aurait été ressentie par au moins une partie du public. Le lien entre le mythe et la pièce est encore renforcé par le fait que la Sicile est considérée comme l'île sacrée de Déméter et Perséphone. Comme le souligne Margaret Bennell dans L'épanouissement de l'esprit chez ShakespeareDans cette pièce, Shakespeare change le lieu de naissance de ses héroïnes, qui passe de la Bohème, telle qu'elle apparaît dans le Pandosto de Greene, à la Sicile. Il modifie également de manière significative la fin de la pièce en privilégiant les retrouvailles et la rédemption plutôt que la mort par suicide. Ces faits auraient permis au public de mieux prendre conscience du lien entre la pièce et le mythe.

La scène finale, qui marque le retour de la Perdita perdue et l'arrivée d'une vie nouvelle, se déroule dans une atmosphère d'émerveillement et de magie. Shakespeare, l'acteur qui savait de première main ce qui touche le plus profondément un publicL'auteur écrit une scène chargée d'un pouvoir mystique - mystique dans le sens plus original de " mustēs ", en référence à celui qui est initié aux Mystères grecs. À cet égard, Margaret Bennell mentionne une intrigante oraison du philosophe et rhéteur du IVe siècle, Thémistius, dans laquelle nous entendons un récit des mystères de Déméter à Éleusis, qui sert de toile de fond à ce moment de la pièce :

Au moment où une personne s'approchait du sanctuaire intérieur, elle était remplie de crainte et d'anxiété, elle était en détresse et saisie d'un sentiment d'impuissance totale, incapable de faire un pas, incapable de s'engager sur un quelconque chemin qui la conduirait dans le sanctuaire. Alors cet interprète ouvrirait la porte du temple, habillerait la statue du dieu, la rendrait belle et propre de tous côtés. Il montrerait la statue, maintenant toute étincelante et brillante d'une lumière céleste, à l'initié. Le brouillard et le nuage seraient complètement dissipés sans délai. Des profondeurs, le sens émergerait plein de lumière et de splendeur au lieu de l'obscurité originelle

(ThemistiusOrat. xx)

Si nous comparons cette description de Thémistius avec la scène finale de Le conte d'hivernous trouvons une correspondance remarquable. Les principaux personnages de la pièce, dont Léontès, qui croit que l'accusation injustifiée de sa femme a causé sa mort seize ans auparavant, sont amenés devant une sculpture nouvellement créée de celle-ci. La statue est étonnamment réaliste, et Leontes a du mal à en croire ses yeux. Paulina, qui a farouchement défendu Hermione et rappelle constamment à Leontes sa transgression, lui dit qu'elle peut donner vie à la statue. Leontes l'encourage en lui assurant qu'ils assisteront tous en silence à sa magie. Paulina déclenche alors le moment de la résurrection :

Musique ; réveillez-la ; frappez !
[Musique]
[C'est l'heure. Descends. Ne sois plus une pierre. Approche.
Frappez tous ceux qui vous regardent avec étonnement. Viens,
Je vais remplir ta tombe. Remuez. Non, partez.
lègue à la mort ton engourdissement, car de lui
La vie chère vous rachète.
[Vous percevez qu'elle remue.
Ne commencez pas. Ses actions seront sacrées comme
Tu entends que mon sort est légal.

Le conte d'hiver (V, iii.)

C'est un moment d'initiation. Après avoir subi les épreuves de la première partie de la pièce, nous arrivons à cette apothéose. On pense que le point culminant des Mystères d'Eleusis consistait dans la mise en scène de cette réunion de la fille Perséphone avec sa mère Déméter. Dans cette scène, en voyant sa fille Perdita après tant d'années, Hermione s'exclame :

Vous, les dieux, regardez en bas,
Et de vos fioles sacrées versez vos grâces
Sur la tête de ma fille.

Le conte d'hiver (V, iii.)

A la fin de l'initiation aux mystères éleusiniens, les initiés sortaient dans les champs en appelant à la renaissance, "Hye ! Pluie ! Tombe ! Kye ! Concevez ! Accouche !" En outre, le dernier jour du festival entourant l'initiation était connu sous le nom de Plemochoai, ou versements d'abondance, au cours duquel les initiés versaient des libations dans des récipients spéciaux, les plemochoai. Un dernier élément qui mérite d'être mentionné est que la musique jouait un rôle important dans le rituel d'initiation. Par exemple, au plus fort du rituel, lors de la reconstitution du drame sacré de Déméter et Perséphone, un gong en cuivre était frappé. Tous ces éléments sont tissés dans cette scène finale de Le conte d'hiver grâce à la subtile sensibilité artistique de Shakespeare pour l'aspect rituel du drame, et l'effet est de susciter une puissante expérience de renaissance chez le public. Shakespeare puise à la source du drame, non pas en exploitant l'intellect, mais en ressentant profondément ce qui vit au cœur de l'expérience humaine. Le drame occidental, après tout, a émergé des rituels des Mystères, qui étaient une sorte de serre pour tous les arts. Nous savons, par exemple, qu'Eschyle, animé d'un sentiment artistique tout aussi profond, a mis en scène des scènes qui reflétaient les rituels sacrés des Mystères et qu'il a été jugé pour avoir "trahi" leurs secrets. Il dut prouver qu'il n'avait aucune connaissance des Mystères en question pour être acquitté des accusations, ce qui aurait entraîné sa mort (Cf. Aristote, Éthique à Nicomaque III. i.). De même, Shakespeare atteint si profondément l'essence de l'art dramatique qu'il produit une sorte de rituel du Mystère.

Les critiques ont longtemps réfléchi à cette scène finale, beaucoup ne parvenant pas à expliquer en termes logiques le laps de temps de seize ans et la préservation de la jeunesse d'Hermione. Ils pensent littéralement, et non en termes de mise en scène du drame sacré, qui est à la fois ancré dans le concret et élevé au-dessus du banal. La statue de pierre, concrète et visible, prend vie grâce à un moment d'éveil intérieur. C'est un acte de "jeu" dans sa forme la plus élevée. Comme le disait Goethe, "la plus haute tâche de tout art est de donner par l'apparence l'illusion d'une réalité supérieure". C'est précisément par ce saut dans la représentation d'une réalité supérieure, qui se développe selon les lois de l'imagination et non selon la logique de la vie quotidienne, que Shakespeare atteint ce moment final d'apothéose. Il s'agit d'une renaissance qui a lieu dans l'âme et le cœur de tous ceux qui sont présents et qui s'exprime à travers la mise en œuvre du drame en tant que rituel. À ce moment, Shakespeare se tourne intuitivement vers le monde antique pour trouver la forme dans laquelle inscrire un tel événement. L'effet est, pour ceux qui peuvent suivre la pièce dans son élan spirituel, une libération cathartique de la douleur et de la souffrance de la vie. Même si Shakespeare possédait "un peu de latin et moins de grec", son œuvre est ancrée dans l'esprit du drame antique, et plus particulièrement du drame en tant que rédemption. En ce sens, nous pouvons être d'accord avec Ben Jonson lorsqu'il dit "il n'était pas d'un âge mais de tous les temps".

Pour ne pas attirer l'envie, Shakespeare, sur ton nom,
Je suis ainsi ample à ton livre et à ta renommée ;
Alors que je confesse que tes écrits sont tels
Comme ni l'homme ni la muse ne peuvent trop louer ;
C'est vrai, et le suffrage de tous les hommes. Mais ces moyens
Les chemins que j'ai choisis ne sont pas ceux de ta louange ;
Pour l'ignorance la plus sournoise sur ces mai lumière,
Ce qui, quand il sonne au mieux, mais résonne juste ;
Ou d'une affection aveugle, qui n'avance pas.
La vérité, mais tâtonne, et presse tout par hasard ;
Ou une malice rusée pourrait prétendre à cet éloge,
Et pense à la ruine, là où il semblait s'élever.
Ceux-ci sont, comme certains infâmes paillardes ou prostituées
Il faut louer une matrone ; qu'est-ce qui pourrait la blesser davantage ?
Mais tu es à l'épreuve contre eux, et en effet,
Au-dessus de leur malchance, ou de leur besoin.
Je vais donc commencer. Âme du temps !
Les applaudissements, le ravissement, l'émerveillement de notre scène !
Mon Shakespeare, lève-toi ! Je ne te logerai pas par
Chaucer, ou Spenser, ou Beaumont mentent
Un peu plus loin, pour te faire une chambre :
Tu es un monument sans tombeau,
Et tu es encore en vie alors que ton livre vit encore
Et nous avons de l'esprit à lire et des louanges à donner.
Pour que je ne te mélange pas ainsi, mon cerveau s'excuse,
Je veux dire avec de grandes Muses, mais disproportionnées,
Car si je pensais que mon jugement était de plusieurs années,
Je devrais t'engager sûrement avec tes pairs,
Et dis à quel point tu as surpassé notre Lyly,
Ou le sportif Kyd, ou la ligne puissante de Marlowe.
Et même si tu avais un peu de latin et moins de grec,
De là, pour t'honorer, je ne chercherai pas...
Pour les noms ; mais appelez le tonnerre d'Eschyle,
Euripide et Sophocle pour nous ;
Pacuvius, Accius, lui de Cordoue, morts,
A la vie de nouveau, pour entendre le pas de ton buisson,
Et secouer une scène ; ou, quand tes chaussettes étaient sur,
Laisse-toi tranquille pour la comparaison
De toute cette Grèce insolente ou Rome hautaine
Envoyés, ou depuis que leurs cendres sont nées.
Tri'umph, ma Bretagne, tu as un à montrer
A qui toutes les scènes d'Europe doivent rendre hommage.
Il n'était pas d'un âge mais pour tous les temps !
Et toutes les muses étaient encore dans la fleur de l'âge,
Quand, comme Apollon, il est sorti pour réchauffer
Nos oreilles, ou comme un Mercure à charmer !
La nature elle-même était fière de ses créations
Et la joie de porter l'habit de ses lignes,
qui étaient si richement filés, et tissés si bien,
Puisqu'elle ne veut pas faire preuve d'un autre esprit.
Le joyeux Grec, l'aigrefin Aristophane,
Neat Terence, witty Plautus, now not please,
Mais mensonge désuet et désert,
Comme ils n'étaient pas de la famille de la nature.
Pourtant, je ne dois pas tout donner à la nature : ton art,
Mon gentil Shakespeare, doit apprécier un rôle.
Car bien que la nature de la matière du poète soit,
C'est son art qui donne la mode ; et, qu'il
Celui qui veut écrire une ligne vivante doit transpirer,
(Tel que le sont les tiens) et frappe la seconde chaleur
Sur l'enclume des Muses ; tourner la même chose
(Et lui-même avec) qu'il pense à encadrer,
Ou, pour le laurier, il peut gagner le mépris ;
Car un bon poète est fait, aussi bien qu'il est né ;
Et tu étais tel. Regarde comme le visage du père
Vit dans son numéro, même si la course
L'esprit et les manières de Shakespeare brillent de mille feux.
Dans ses lignes bien tournées et bien remplies ;
Dans chacun d'eux, il semble secouer une lance,
comme on le brandit aux yeux de l'ignorance.
Doux cygne d'Avon ! Quel spectacle c'était !
Pour te voir apparaître dans nos eaux,
Et faire ces vols sur les rives de la Tamise,
Cela a donc pris Eliza et notre James !
Mais reste, je te vois dans l'hémisphère
Avancé, et fait une constellation là !
Brille, étoile des poètes, et avec rage
Ou influencer, réprimander ou encourager la scène qui s'effondre ;
qui, depuis ta fuite d'ici, a pleuré comme la nuit,
Et désespère du jour, si ce n'est pour la lumière de ton volume.

- Ben Jonson, À la mémoire de mon bien-aimé l'auteur, M. William Shakespeare.

Cet essai a été publié à l'origine dans La Revue Décadente.  Il est reproduit ici avec la permission de l'auteur.